Desde los primeros minutos quedó claro que la voz sería el principal instrumento narrativo. Pérez Cruz puede cantar casi al borde del silencio y, sin modificar la aparente sencillez del gesto, llevar una frase hasta un punto de tensión en el que la voz parece quebrarse. Esa fragilidad no funciona como recurso ornamental, sino como una forma de aproximarse a aquello que las palabras por sí solas no alcanzan a explicar.

“¡Qué alegría! Gracias por esperar. Aquí estamos después de tanto tiempo. ¡Ay, México lindo!”, dijo al encontrarse nuevamente con el público mexicano. La frase abrió una noche que tenía algo de reencuentro, pero también de viaje.

Acompañada por Carlos Montfort, Marta Roma y Bori Albero, Pérez Cruz construyó una formación capaz de cambiar de textura constantemente. Violín, violonchelo, contrabajo, percusiones, trompetas y coros aparecieron y desaparecieron según las necesidades de cada canción. La instrumentación no buscó imponerse sobre la voz; funcionó como una arquitectura móvil que permitía que las canciones respiraran.

La diversidad de géneros no se presentó como una colección de influencias, sino como parte de una misma búsqueda. La formación de Pérez Cruz en música clásica y jazz convive con su acercamiento al flamenco, el fado y la canción de autor. En Chundwa, esa búsqueda tomó la forma de una chacarera argentina, vinculada con los viajes de la artista por ese país. El resultado no fue una reproducción de un género ajeno, sino una apropiación desde la experiencia.

En Líquido, la voz volvió a ocupar un lugar distinto. El quejío flamenco apareció acompañado por tres trompas, sustituyendo la presencia habitual de una guitarra y generando una sonoridad más amplia. La canción hizo evidente una de las características de la propuesta de Pérez Cruz: la capacidad de modificar las expectativas del escucha sin romper la identidad de la pieza.

Pero el centro emocional de Oral Abisal apareció cuando el agua dejó de representar únicamente una imagen asociada al deseo o a la vida y se convirtió en frontera.

Mar muerto introduce la migración africana y las muertes ocurridas en el estrecho de Gibraltar. En la grabación participan los testimonios de Soly Malamine y Mouhammad, dos hombres que realizaron esa travesía. En el escenario, la canción adquiere otra dimensión porque detrás de la composición existe una experiencia concreta: personas que cruzaron el mar buscando llegar a Europa y que forman parte de una historia migratoria que continúa produciendo pérdidas.

Ahí el concierto dejó de ser únicamente una exploración musical y se convirtió también en un ejercicio de memoria. Pérez Cruz no necesitó convertir la canción en discurso. La voz, los silencios y la instrumentación fueron suficientes para colocar al público frente a una realidad que suele reducirse a cifras y noticias.

Esa capacidad de pasar de lo íntimo a lo colectivo atravesó toda la presentación. El deseo y la maternidad conviven en Oral Abisal con la sed, el mar y la migración. Lo personal no aparece aislado de lo social: forma parte de una misma experiencia humana.

El repertorio también permitió regresar a canciones que han acompañado la trayectoria de la cantante. Pequeño vals vienés, poema de Federico García Lorca musicalizado por Leonard Cohen, funcionó como un puente entre distintas etapas de su carrera y reafirmó su manera de apropiarse de materiales que ya forman parte de la memoria musical de varias generaciones.

La aparición de Natalia Lafourcade modificó nuevamente la atmósfera. No fue necesario construir un gran preámbulo para explicar la relación entre ambas. Las dos compartieron Mi última canción triste, pieza que escribieron y grabaron en 2023. La canción parte del desconcierto y la tristeza y encuentra poco a poco una posibilidad de movimiento, como si la pena también pudiera transformarse.

El encuentro continuó con La Llorona, una canción de tradición popular que ambas han interpretado en diferentes momentos de sus carreras. En sus voces, la pieza adquirió el peso de una memoria compartida: México como territorio musical, pero también como lugar de encuentro para dos artistas que han construido su relación con la canción desde perspectivas diferentes.

Pérez Cruz habló también de Cuba, país que ocupa un lugar particular en su historia. Este 23 de agosto ofrecerá un concierto gratuito en la Iglesia San Francisco El Nuevo, acompañada por Montfort, Roma y Albero. La elección del espacio tiene una razón musical: su acústica permite tocar sin depender de la electricidad. “Que la música sea libre e imparable”, explicó.

El vínculo con la isla comenzó cuando era niña. A los cuatro años, su padre le enseñó La tarde, de Sindo Garay, después de regresar de Cuba, donde trabajaba en la recuperación y organización de canciones. Años después, Pérez Cruz grabó el tema junto a Javier Colina en En la imaginación, proyecto dedicado al filin cubano.

Ese recuerdo ayuda a comprender una parte esencial de su relación con la música. Para Pérez Cruz, las canciones no parecen pertenecer únicamente a quien las compone o las interpreta. Viajan entre generaciones, países y personas. Se transforman con cada voz que las vuelve a cantar.

“Estoy feliz de que exista la música, me parece el mejor invento que se ha hecho”, dijo durante el concierto. La frase resume una noche en la que la música funcionó precisamente como eso: una forma de comunicación capaz de atravesar idiomas, fronteras y experiencias.

Después de México y Cuba, Oral Abisal continuará por Santo Domingo, Santiago de Chile, Buenos Aires, Porto Alegre, São Paulo y Río de Janeiro. El primero de octubre llegará al Palacio de la Ópera de A Coruña.

En el Teatro Metropólitan, Silvia Pérez Cruz dejó una presentación que no dependió de grandes gestos para permanecer. Su fuerza estuvo en la manera de sostener una canción, llevarla de un territorio a otro y permitir que, durante algunos minutos, una historia personal pudiera convertirse en una experiencia compartida.

El cargo Silvia Pérez Cruz convierte el Teatro Metropólitan en un territorio de música y memoria apareció primero en La Chispa de Estado de México.

La velada contará con la participación de Bloody Benders como banda invitada, un proyecto de punk oscuro que abrirá el escenario antes de la presentación estelar.

Durante el concierto, Sr. Bikini interpretará algunos de sus temas más representativos, además de compartir material reciente como “Fuera Ropa: 25 años”, versión conmemorativa de uno de sus clásicos, y “El Jazz es el Nuevo Punk”, sencillo grabado junto a Francisco Becerra “Chaleco”, donde fusionan el surf con elementos del jazz y mantienen el sello irreverente que distingue a la agrupación.

La banda también prepara el lanzamiento de “Cuidado con el Michi”, su próximo sencillo, con el que continuará ampliando un repertorio caracterizado por la experimentación y la libertad creativa.

Formados en 1999 en la Ciudad de México, Sr. Bikini se ha consolidado como uno de los referentes del surf rock instrumental en México. Su propuesta, marcada por el uso de máscaras de luchador y una estética inspirada en la cultura popular, les ha permitido construir una identidad propia y una sólida comunidad de seguidores.

Además de su trayectoria en los escenarios, la agrupación cuenta con participación musical en la película Nesio, producción nominada a los Premios Ariel.

Los boletos estarán disponibles en Preventa Banamex el 23 de febrero, mientras que la venta general comenzará el 24 de febrero a través de Ticketmaster y en las taquillas del Teatro Metropólitan.

El cargo Sr. Bikini llevará su surf rock al Teatro Metropólitan con nueva música apareció primero en La Chispa de Estado de México.

Desde los primeros acordes quedó claro que aquella noche del 11 de julio no sería una presentación más dentro de su Tour 2026. El histórico recinto de la Ciudad de México se convirtió en una enorme sala de estar donde el compositor abrió su corazón sin reservas y permitió que cada canción viajara libremente entre la nostalgia, el amor, el desengaño y la esperanza. La cercanía que siempre ha distinguido a Elías Medina terminó por borrar cualquier distancia entre artista y espectadores, transformando el Metropólitan en una sola voz.

Con la serenidad de quien conoce perfectamente el peso de su obra, Medina fue construyendo un recorrido por las distintas etapas de una carrera que hoy lo confirma como una de las figuras más importantes y respetadas de la música mexicana contemporánea. Cada interpretación parecía llevar consigo el oficio de un compositor que ha dedicado su vida a traducir emociones universales en melodías capaces de sobrevivir al paso del tiempo.

“Buenas noches, Ciudad de México. Gracias por permitirme vivir uno de los sueños más grandes de mi carrera”, expresó visiblemente emocionado al comenzar una noche que rápidamente se transformó en una celebración colectiva.

El repertorio fue un auténtico viaje por los capítulos más representativos de su trayectoria. “Llegaste Tú” apareció como una declaración de principios, mientras “Infidelidad” volvió a demostrar por qué forma parte del imaginario sentimental de miles de seguidores. La sorpresa llegó con una poderosa interpretación de “Nomás por Orgullo”, clásico de Los Invasores de Nuevo León, al que imprimió un sello profundamente personal, arrancando una de las ovaciones más prolongadas de la noche.

Las emociones continuaron desfilando una tras otra con “Quiero Que Seas Feliz”, “La del PENDEJO”, “Que Se Los Cuente La Luna”, “Estoy Pagando”, “Que No Se Entere” y muchas otras piezas que el público prácticamente cantó de principio a fin. No hubo canción que no encontrara respuesta inmediata desde cada butaca; por momentos era imposible distinguir dónde terminaba la voz del cantante y dónde comenzaba el inmenso coro formado por miles de personas.

Uno de los momentos más conmovedores llegó cuando el artista hizo una pausa para mirar detenidamente el recinto. Durante algunos segundos guardó silencio, como intentando memorizar la imagen de un Teatro Metropólitan completamente iluminado por las pantallas de los teléfonos celulares y por los aplausos de un público que entendía perfectamente el significado de aquella noche.

No era solamente el concierto más importante de una gira. Era la confirmación de un camino construido con paciencia, disciplina y una honestidad artística que pocas veces se encuentra en la industria musical. Durante años, Elías Medina escribió canciones que otros artistas llevaron al éxito, consolidándose como uno de los compositores más prolíficos del regional mexicano. Sin embargo, con el paso del tiempo también encontró su propia voz como intérprete, construyendo una identidad que hoy llena algunos de los escenarios más importantes del país.

Su mayor fortaleza sigue siendo precisamente esa dualidad. Cada canción lleva el sello de un autor que entiende profundamente las emociones humanas y, al mismo tiempo, la sensibilidad de un cantante capaz de transmitirlas con absoluta credibilidad. No necesita artificios para conmover; le basta una guitarra, una gran banda y la verdad contenida en cada una de sus composiciones.
[13/07/2026 03:54 p. m.] Au: La producción del espectáculo acompañó con elegancia el recorrido musical sin robar protagonismo a lo verdaderamente importante: las canciones. La iluminación, los cambios escénicos y la impecable ejecución de los músicos sirvieron únicamente como marco para una colección de historias que hablan de amores imposibles, despedidas inevitables, reconciliaciones silenciosas y sueños que sobreviven incluso después de las derrotas.

Cada interpretación parecía confirmar una idea que ha acompañado la carrera del sinaloense desde sus primeros pasos: las mejores canciones nacen cuando alguien es capaz de escribir aquello que los demás sienten, pero no saben expresar. Por eso sus composiciones han encontrado lugar en las voces más importantes de la música mexicana y, por esa misma razón, su público continúa creciendo generación tras generación.

Cuando el reloj ya estaba por cruzar la medianoche y el último acorde comenzó a perderse entre las paredes centenarias del Metropólitan, nadie parecía dispuesto a abandonar el recinto. Los aplausos continuaban resonando como una forma de prolongar un momento que difícilmente volvería a repetirse de la misma manera. Elías bromeaba que ya lo estaban corriendo pero que el pagaba la multa, ante los gritos de euforia.

Hay conciertos que entretienen. Hay otros que sorprenden por su espectacularidad. Y existen noches excepcionales como la protagonizada por Elías Medina, capaces de recordarnos que la música sigue siendo uno de los pocos lenguajes capaces de reunir miles de historias distintas bajo una misma emoción.

El Teatro Metropólitan fue testigo de mucho más que un recital de casi tres horas. Presenció la consolidación definitiva de un artista que ha dejado de ser únicamente uno de los grandes compositores del regional mexicano para convertirse, con absoluta justicia, en uno de los intérpretes imprescindibles de la música popular contemporánea. Lo ocurrido aquella noche no fue solamente un éxito de convocatoria ni una demostración de talento: fue la confirmación de que las canciones honestas siempre encuentran el camino para permanecer, incluso cuando las luces del escenario ya se han apagado.

El cargo Elías Medina confirma su grandeza con una noche inolvidable en el Teatro Metropólitan apareció primero en La Chispa de Estado de México.